前回の話を聞いて、私藤田は「たった今、この時代に生きて出会えるからこそ、現代美術を理解したり、作品を見ていろいろ気付いたり、考えさせられるのだなぁ」と再確認しました。今回は過去からつながる美術を取り上げ、現代美術とのつながりを考えていきます。まずは、大学で画家のゴーギャンを研究をしていたという、群馬県立近代美術館の学芸員の田中龍也さんに、西洋美術の観点で話を伺います。

「現代美術」は前の世代の表現を乗り越え、
新しい表現、運動を次々と生み出していくもの

藤田
「近代美術」と言われて想像するのは、ヨーロッパの画家たちによる貴族の肖像画だったり、パリの画家たちが描いた風景画だったりします。そういう「近代美術」と、絵画に限られないで写真やインスタレーションといった表現が多様な「現代美術」がつながっているのか、区別すべきものなのか、なんなのでしょう。

田中

「近代」、「現代」という言葉は、第一義的には時代を区分するものですが、どこまでが近代で、どこからが現代か、という明確な区分を設けるのは難しいようです。ただ一般に「現代美術」という場合、それは時代区分として現代の美術を指しているわけではありません。その時代における既存の価値観に揺さぶりをかけるような、「新しい表現を切り拓いていこうとする美術」を指しているわけです。

クロード・モネ《ジュフォス、夕方の印象》undefinedundefined1884年undefined油彩・カンヴァスundefined59.5×81.0cmundefined群馬県立近代美術館(群馬県企業局寄託作品)

クロード・モネ《ジュフォス、夕方の印象》  1884年 油彩・カンヴァス 59.5×81.0cm 群馬県立近代美術館(群馬県企業局寄託作品)


 
藤田
現代の美術といっても、19世紀後半の印象派のように、たった今でも、アルプスとかセーヌ河を描く画家はいますもんね(笑)。そうじゃなくて、印象派が生まれた19世紀後半当時は「これまでと違う表現の絵画」つまり「前衛的だ」と言われていた、と聞いたことがあります。

田中
美術用語に「アカデミックな表現」という言い方があります。この「アカデミック」という言葉は、印象派が生まれた19世紀後半当時、筆跡を残さず絵を美しく仕上げるような美術の規範を意味しました。しかしフランスのモネをはじめとする印象派の画家たちは「アカデミック」からはみ出し、素早い筆の動きで、光や大気の一瞬の表情をとらえました。既存の美術の価値観から見れば、それは受け入れがたいものでした。藤田さんが聞いた「前衛」と言ってもいいでしょう。「前衛(avant-garde)」とはもともと軍事用語で、権威や前の世代を打ち破り、前へ進む、といった意味を持ちますからね。印象派の画家たちは当時、その時代に生きる感覚を表現するため、新しい表現方法を必要としたのです。

藤田

なぜそういう表現の変化が起こったのですか?

田中
背景には、社会の急速な変化と発展があります。印象派が生まれた時代のヨーロッパで言えば、産業革命後の工業化により社会の構造は劇的に変化していきます。また市民革命を経て、かつては王侯貴族のものだった美術が、市民層のものとなって大衆化していくと同時に、美術作品を販売するマーケットが開拓され、ジャーナリズムや批評が発達していったわけです。そうした土壌において、大衆の人気を集める作家(アーティスト)が活躍する一方で、時代変化に即した新しい表現を開拓していこうとする「現代美術作家」が現れてきたのです。

藤田
なるほど、作品を表面的に見ているだけでは同じような風景や人物ですが、歴史などの背景を知ることで、作品の変化が分かるんですね。それが分かると、今の時代も「一般の人が知っているアーティスト、分かりやすい美術作品」と「何かよく分からない現代美術作品」はベツモノです。

田中
そういった観点から見れば、それまでの絵画の規範を打ち破った印象派は「現代美術」だったと言えます。さらにその印象派に対して、目に見えるものを描いているだけだと批判し、色彩や形に象徴的意味を込めたゴーギャンが登場するなど、「現代美術」は前の世代の表現を乗り越えては、新しい表現、運動を次々と生み出していくものなのです。

藤田
美術に限りませんが「新しい」ものは、必ずしも「私も分かる」というものでなく、「なんだこれは?」から始まる気がします。田中さんが考える「新しい表現=現代美術」の理解のしかたや解決法を教えてください。

鬼頭健吾《active galaxy》undefined2014年undefinedガトーフェスタ ハラダ 本社ギャラリーでの展示風景undefined撮影:木暮伸也

鬼頭健吾《active galaxy》 2014年 ガトーフェスタ ハラダ 本社ギャラリーでの展示風景 撮影:木暮伸也


 
田中
わかりにくいのは当然のことです。それまで誰も表現したことがないものを表現し、やったことのないことをやろうとしているのですから。私が働く群馬県立近代美術館では、今年2015年1月24日から3月22日まで、現在ベルリンを拠点に活動する鬼頭健吾の個展「Migration“回遊”」を開催します。今回展示するのは、赤や青、黄色などのアクリル板が差し込まれたポストカードスタンドを、展示室に点在させるインスタレーション《active galaxy》。

ランダムに回転するポストカードスタンドを一方向から眺めるのではなく、展示室を自由に歩いて見て回ってください。カラフルなアクリル板が反射する光、透過する光の乱舞に取り囲まれます。展覧会を担当している私も実はまだ作品の意味を分かっていませんが、実際の作品を体感して分かること、考えることがあるはず。「自分と違った価値観、考え方を受け入れて、新しい発見をしてく」ことが、現代美術の味わい方ですよ

藤田
作品を見ても分からないとき、素通りするのもイヤだし、何か理解する足掛かりが欲しいです。

田中
作家のことを知り、その時代、環境のことを知れば、作品を理解するヒントが得られます。現代美術の場合、作家は私たちと同じ時代を生きているわけですから、過去の作家たちよりも、共有できるものが多いはずです。まず理解しようとする態度を持つこと、そしてそのためのヒントを主体的に探すことが大切だと思います。作家自身の言葉や、展覧会での解説、批評なども役に立つと思います。


次は「日本画」から現代美術を考えて行きます。「日本画」は古くから伝わる画材を使い、先輩の画家に弟子入りして技法を習得するような、茶道や華道のような世界でした。ところがこの10年ほど、この仕組みにとらわれないで、現代美術として日本画を発表するアーティストが増えているのです。そのひとり、大舩真言(おおふね・まこと)さんに話を聞きます。


作品を表面的ではなく、作品の持つ個性や、訴える力、
もしくはつくり手の思想を感じ取ってほしい

藤田
まず大舩さんは、どういうふうに、どんな作品をつくっているのか教えてください。

大舩
私の作品は、パネルに張り込んだ和紙に、岩絵具という日本画で使う鉱物の顔料で描いています。手法としては日本画の技法と違いはないですが、作風としては、例えば「花鳥風月」と呼ばれる日本の様式を受け継いだものでもありません。

藤田
「花鳥風月」というのは、文字通り花や鳥、日本の四季や風景のことで、日本画の多くはそういう表現が見受けられます。紙や絵具などの画材は日本画のものをつかっても、「花鳥風月」を描かないなら、日本画とは呼ばれないのでしょうか。

大舩真言《WAVE-infinite-》岩絵具・顔料・麻紙undefined253cm×750cm,  2009(パリの工場跡地での展覧会風景)

大舩真言《WAVE-infinite-》岩絵具・顔料・麻紙 253cm×750cm, 2009(パリの工場跡地での展覧会風景)


 
大舩
多くの人がイメージするジャンルとしての「日本画」ではない、ということです。私自身は「絵画」もしくは「平面作品」という言葉でくくられることにも、少し違和感をおぼえる時があります。なぜなら「絵画」もしくは「平面作品」は、壁に平坦に掛けられ、美術館やギャラリーの順路にしたがって一定の距離で見るという常識がついてくるからです。

藤田
でも「絵画」もしくは「平面作品」はそうやって展示するもの、見るもの、なのでは?

大舩
私は違います。よく、壁から随分離れた位置に、もしくは展示空間のど真ん中などに、作品を吊るして展示をします。もっと極端な例で言うと、屋外に作品を置いて見せることもあります。岩絵具は、宝石につかうような色のある原石を砕いてつくられていて、作品は地球の欠片が詰まった存在とも言えます。だから作品が置かれた場と共鳴したり、作品単体だけでなく、ひとつの空間として感じることができます。さらに展示空間にとどまらず、作品の内部にも、外にもどんどんつながっていくような関係が産まれてきます。このように作品を超える領域にまで意識を巡らせて作品の展示を行っていると、絵画や平面作品ではなく、しばしば「インスタレーション」と呼ばれることもあります

藤田
なるほど。作品についてだけでなく、大舩さんがこれまでの日本画と呼ばれるものと異なるのは、動きというか活動も今までの作家(アーティスト)と違うからでしょう。大舩さんは先輩の画家に弟子入りしてないし、「画壇」と呼ばれる日本画の組織に所属していません。

大舩
「画壇」の中に入らないのは、自分の信じる道を切り開きたいからです。それぞれの組織の中には、共有の常識やルール、価値観のようなものが存在します。組織の価値観に合った作品がその中で評価されていきますし、組織が今の時代に開かれた広い視野を持っているときと、そうでないときもあるでしょう。私はそういった組織と、私自身が抱く新たな価値観とは合わなくなってきている、と感じています。

藤田
確かに、美術館やギャラリーで展覧会するだけだった20年くらい前に比べれば、今やアートイベントもあればアートフェアもある、日本だけでなく海外でも、といったように、作品を発表する場も増えています。

大舩真言《WAVE#50》undefinedPhoto : Makoto Ofune

大舩真言《WAVE#50》 Photo : Makoto Ofune


 
大舩
美術に限りませんが、情報化や国際化が進み、個人が自由に世界の情報を吸収することも当たり前になってきています。そういった環境の中で、個人の思想や価値観がダイレクトに世の中に発信されていく状況も増えています。

美術に関して言うと、「日本画だからどうの」と言ったジャンルで展覧会が開かれることは少なくなりつつあります。「現代における問題意識」のような内容やテーマが決まったキュレーションによる展覧会、もしくは展示する場との関係性を求められる展示方法が、作家には求められています。こういったときに作家にとって必要なことは「作品が見る人の感性にどのように響くか」という、極めて純粋な価値基準ではないでしょうか。

藤田
話を聞いていると、作品や美術を通じて、大舩さんは何か現代社会や現代人に訴えかけたいのですね。

大舩
私だけでなく、鑑賞者であっても、常識にとらわれず、感覚を研ぎ澄まして作品に接することが、今を生きる美術と向き合うべき姿勢なのでは、と考えます。作品を表面的ではなく、作品の持つ個性や、訴える力、もしくはつくり手の思想を感じ取ってください。そうすることで、作品はジャンルの垣根や国も超えて、広く人の心に伝わっていくでしょうし、現代美術を難しいとは感じなくなるはずです。

■大舩真言 展覧会情報

「Object Matters:概念と素材をめぐる日本の現代表現」
2014年12月20日(土)~2015年2月15日(日)
多治見市文化工房 ギャラリーヴォイス
岐阜県多治見市本町5-9-1たじみ創造館3F
水曜日休廊

パリ日本文化会館フライヤー

パリ日本文化会館フライヤー

「うつわ(器)とうつし(写)」
うつろいゆく形の生命とその刻印

2015年1月20日(火)~24日(土) 
パリ日本文化会館 地上階
10 1 bis, quai Branly 7501 5 Paris, France

 


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